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dimanche 25 juin 2017

Le petit locataire: sans préavis



Grâce au site Cinétrafic, j'ai pu découvrir en DVD le film de Nadège Loiseau, le Petit locataire, sorti en DVD le 21 mars chez Diaphana

On va pas se le cacher, en matière de comédie, je fais souvent la fine bouche devant la production hexagonale. J'ai tendance à trouver qu'elle a bien du mal à se renouveler, qu'elle ne sait que ressasser depuis des décennies la lutte des classes, ou des sexes, ou des générations comme seul ressort comique, comme si c'était la seule chose qui pouvait marcher (et, malheureusement, au vu des entrées de ce qui se fait dans le genre, les chiffres sont effectivement souvent du côté de la médiocrité). J'ai tendance à me réfugier volontiers vers d'autres clichés, outre atlantique, beaucoup moins distingués, mais beaucoup plus efficaces à mon sens: les grosses dumb comedys, représentées plus ou moins dignement par Will Ferrel, Tina Fey, Ben Stiller, Judd Apatow, Jim Carrey ou Amy Schumer.



Mais parfois, souvent, même, des films viennent me rappeler que ma vision de la comédie, est aussi TRES stéréotypée. Et Le Petit Locataire fait partie de ceux-là.

Le petit locataire en question, c'est l'embryon qui s'invite par surprise chez une femme de quarante neuf ans, Nicole, qui n'est pourtant pas en manque de responsabilités. Elle doit gérer un quotidien pas bien brillant, entre un fils devenu matelot et parti en mer, une fille précoce en ce qui concerne sa maternité, mais pas vraiment pour le reste, une petite-fille au langage fleuri mais au mal-être certain, un mari au chômage complètement découragé, une mère atteinte d'alzheimer à domicile, et un taf pas folichon de caissière de péage pour supporter tout ce petit monde. Alors quand se qu'elle pensait être la ménaupose se révèle être l'annonce d'une naissance à venir, elle ne saute pas de joie en pensant à la baby shower party qu'elle va pouvoir organiser avec ses copines.



Si Le petit locataire est bien une comédie, il reste ancré dans une réalité pas très jouasse, et cette amertume est la bienvenue. J'avoue en avoir franchement marre des comédies françaises qui se moquent des pauvres, parce que les gens qui n'arrivent pas à joindre les 2 bouts, c'est forcément des ploucs vulgaires qui n'ont ce qu'ils méritent. Ben oui quoi, entre la famille Groseille et les Tuche, c'est aussi marrant de rigoler de la grossièreté et la débilité du prolo que de se gausser du cul-serré des bourgeois dans les Visiteurs. Bien heureusement, Nadège Loiseau, qui réalise le film et qui l'a écrit avec Fanny Burdineau et Mazarine Pingeot, cherche avant tout à créer un personnage crédible.

Et avec Nicole, c'est plutôt réussi. Cette femme au bord de la crise de nerf et c débordée par ses responsabilités et ses hormones, on y croit instantanément. C'est en grande partie dû à l'écriture plutôt naturelle des situations et des dialogues, mais il faut dire que Karine Viard, dont je ne goûte pas toutes les interprétations, fait ici un travail plutôt nuancé, qui fonctionne très bien avec celui des autres comédiens, et en particulier celui de Philippe Rebot, qui apporte beaucoup d'émotion à ce père frustré par l'échec. Malheureusement, tous les acteurs ne sont pas à la hauteur, notamment Manon Kneusé, qui joue la fille et mère adolescente, qui échoue à chacune de ses répliques. Il y a là quelque chose qui ne marche vraiment pas, d'abord parce que toutes ses répliques qui veulent "faire jeune" sonnent toutes invariablement faux, et qu'en dehors d'être un personnage pas très aimable, la comédienne ne lui apporte pas vraiment assez d'humanité pour la sauver, chacune de ses apparitions est agaçante. C'est très dommage, surtout dans un film où certains rôles mineurs créent immédiatement de l'empathie: l'infirmier québécois Toussaint (Antoine Bertrand), le collègue du péage Damien (Côme Levin), la coach de gymnastique Jackie (Nadège Beausson-Diagne).


Il y a donc bien un mélange plutôt équilibré ici entre drame social et comédie familiale. Et dans un cas, comme dans l'autre, on ne pousse pas trop vers le caricatural, et on sait atteindre l'émotion dans les petites choses. Il y a tout de même les scènes qui sont là pour susciter l'émotion, les déclarations impromptues, la mort et la vie qui cohabite, les prises de conscience soudaine. Mais c'est dans les scènes les plus quotidiennes que le film fonctionne le mieux. Dans la tragi-comédie d'un remplacement oublié, dans la sexualité matrimoniale contrariée, les repas où l'on rumine...



En dehors du scénario de comédie douce-amère, j'ai aussi apprécié l'aspect esthétique du film. Ben oui, c'est tellement rare dans la comédie, notamment française que quand ça arrive, ça a le mérite d'être souligné. Ici, épaulée par Julien Roux à la photographie, Nadège Loiseau apporte de la couleur à une situation qui pourrait parfois être tout simplement sinistre. Tout comme elle injecte dans une histoire anxiogène beaucoup d'amour et d'humour, elle éclaire un quotidien somme toute assez grisâtre par des touches de pastel, plus ou moins intense (souvent du bleu et du rose, d'ailleurs). Elle crée ainsi une véritable respiration, offre un espace au rêve et à l'optimisme. Et quand les temps sont durs, et ils le sont souvent, cela fait toujours du bien de voir des bulles colorées s'élever.



http://www.cinetrafic.fr/top-film-braquage
http://www.cinetrafic.fr/top-film-de-combat

dimanche 18 juin 2017

Beau séjour: Twin pils


Grâce au site cinétrafic, j'ai pu découvrir en blu-ray la série belge Beau séjour, une série audacieuse entre polar rural et fable fantastique, qui sonde les tréfonds de l'âme humaine d'une petite communauté flamande dans un village bordant la Meuse, à la frontière avec les Pays-Bas. Ce Blu-ray, édité par Arte (qui a aussi sa page facebook)

Kato, une adolescente, se réveille à l'aube dans une chambre de l'hôtel Beau séjour, en sang. Elle ne va pas tarder à se rendre compte de sa difficulté à communiquer avec les personnes qu'elle va appeler à l'aide. et pour cause, Kato est morte cette nuit là. Elle va devoir alors répondre aux questions qui restent en suspens et l'empêche de reposer en paix: Que s'est-il durant cette nuit? Qui est son meurtrier? Pourquoi certaines personnes parviennent à la voir, et pas d'autres?


La première chose qui m'a happée dans Beau séjour, c'est son ambiance, une ambiance très singulière, qui se crée à partir de nombreux éléments qui s'assemblent de manière étrange et pourtant tout à fait cohérente. On sent des influences sériphiles aussi variées que de qualité. Par exemple, la série ne cache pas son admiration pour Twin Peaks: on y retrouve la tragédie de la jeunesse sacrifiée, les secrets inavouables cachés au sein de chaque foyer d'une bourgade en apparence paisible, les fulgurances comiques au milieu de la noirceur la plus diabolique... Jusqu'à des citations à peine voilées: un corps de jeune noyée sous un film plastique, la confidente/rivale et le beau motard, l'inspecteur (inspectrice ici) tirée à 4 épingles qui débarque dans un commissariat de province où, si l'on ne sert pas une tonne de donuts le matin, on apporte toujours une tarte fait maison. Mais on pourrait aussi citer, pèle-mèle, des mises en scène de crimes à la True Detective, la tension qui monte dans une petite communauté, dans laquelle pèse l'ombre de la pédophilie, comme dans Broadchurch, le tout dans un cadre résolument belge, où la pesanteur de la vie rurale s'alourdit par un horizon invariablement grisâtre, et où le traumatisme des affaires Dutroux continuent de hanter la morne plaine.

Visuellement, c'est très fort, et ce dès les premières images, à l'aube d'un glauque (la couleur, comme l'esprit) uniforme. Toute la série, par la suite, semblera se poursuivre dans cette atmosphère entre chien et loup, dans cette brume toujours plombante, où tous les chats, comme les humains, sont gris et où la seule touche de couleur, flamboyante, vibrante et bien plus vivante que cette ville terrassée par la dépression, c'est le jaune du sweat-jaune et de la moto du joli fantôme, Kato.



Kato, c'est d'ailleurs la plus belle trouvaille de cette série orchestrée par deux femmes, Nathalie Basteyns et Kaat Beels qui ont créé là un magnifique personnage de spectre sacrément incarné. Interprétée par la jeune et très charismatique Lynn Van Royen, Kato redéfini l'image du fantôme. On s'éloigne ici de la présence éthérée qu'on a l'habitude de voir. Kato vit, peut être plus encore que n'importe quel autre personnage et possède une véritable corporalité: elle dort, elle boit, elle conduit sa moto à toute blinde, elle peut étreindre mais aussi prendre des coups. Plus proche de fantômette que de Laura Palmer, elle déterre tous les vieux secrets croupissant sous les champs de céréales et les terrains de motocross, elle pousse une ville où, à l'image de l'hôtel Beau Séjour au charme suranné, le temps semble s'être arrêté, à s'éveiller d'un long sommeil cauchemardesque.


Le scénario a, à mon goût, un peu trop de tiroirs. Chaque épisode a son cliffhanger, c'est souvent très bien foutu, parfois complètement estomaquant, mais un peu trop systématique. Mais ça fonctionne complètement. On se laisse empêtrer dans les ficelles de l'intrigue qui fait ce qu'elle veut de nous (J'avais trouvé le tueur dès le début, mais on a réussit à m'en détourner complètement en cours de route, jusqu'à ce que je ne sois plus sûre de rien, et je trouve ça assez fort) et on dévore tout en un rien de temps, malgré l'atmosphère pesante de la série, qui m'a un peu désagréablement imprégnée pendant quelques jours, la meilleure preuve de son efficacité.

Sinon, dan un registre complètement différent, sachez que les teens movies à découvrir sont par ici sur Cinetraficet que vous pourrez aussi y trouver une liste de films palpitants se déroulant au Moyen-Age, 



mercredi 31 mai 2017

Le cinéclub de Potzina: Couples mythiques: confidences sur l'oreiller




J'ai longtemps cru que je n'aimais pas les comédies romantiques. Ado, quand mes copines s'enthousiasmait pour une énième vision de Pretty woman, la Boum ou Dirty dancing, je ne pouvais cacher un baillement d'ennui.
Pour moi, à l'exception de Quand Harry rencontre Sally, la comédie romantique se résumait à des bluettes aux personnages caricaturaux, aux intrigues délavées et à la mise en scène super plan-plan. Mais surtout, si le romantisme m'apparaissait clairement, je cherchais en vain ce qui en faisait de réelles comédies.
Bien heureusement, j'ai vite découvert que c'était un genre bien plus large et varié que cela. J'ai vu que l'on pouvait faire rimer humour anglais et romantisme avec 4 mariages et un enterrement, Judd Apatow m'a prouvé qu'on pouvait faire de la grosse romcom, je suis tombée sur quelques pépites so frenchies. Mais surtout, surtout, je me suis plongée avec délices dans la grande comédie romantique hollywoodienne.
Parce qu'on l'oublie parfois, mais la comédie romantique a des racines profondes. Et de toute l'oeuvre de Billy Wilder en passant par La blonde et moi, l'impossible M. Bébé ou La Dame du vendredi, tous les ingrédients de la bonne romcom sont là: un humour décapant, une observation sociale qui fait mouche, des personnages qu'on prend pour des archétypes mais qui savent s'en affranchir, une chouette happy end, du rythme et des tonnes de bonne humeur.

Et pour moi, il y a un couple emblématique de la romcom hollywoodienne, qui en représente toute la malice et la complicité: Doris Day et Rock Hudson.
Les deux acteurs n'ont, on le sait bien, jamais eu d'idylle, mais il y avait entre eux une indéfectible amitié (qui a duré jusqu'à la mort tragique d'Hudson du Sida en 1985) , ce qui en fait le couple de cinéma le plus sympathique et le plus assorti que j'ai jamais pu voir. D'un côté, le beau Rock joue parfaitement les séducteurs nonchalants au sourire ravageur. De l'autre, Doris à la voix d'or en femme moderne, souvent bien plus obsédée par son métier que par des perspectives amoureuses, multiplie les moues outrées à chaque muflerie de son acolyte.

Et s'il fallait choisir un film réunissant les deux stars, je choisirais sans hésiter Confidences sur l'oreiller, de Michael Gordon. Je ne suis d'ailleurs pas la seule. De l'aveu même de Rock Hudson, c'est le film dans lequel il s'était le plus amusé. Et lorsqu'on le regarde, ce plaisir est une véritable évidence et on sent que ces fameuses confidences se transformaient souvent en "fous-rires sur l'oreiller".


Tout commence comme une parfaite comédie de situation. Jan Marrow, une décoratrice d'intérieur workaholic, doit partager sa ligne téléphonique avec le playboy de ces dames, Brad Allen. Et ça l'énerve un peu que sa ligne soit sans cesse squattée par un joli-coeur qui drague 15 filles en même temps quand elle attend un coup de fil important. Et oui, imagine-toi en entretien skype pour le job de ta vie. Ça te ferait moyen rire de le rater parce que ton voisin utilise ta wifi pour mettre en surchauffe les serveurs de Meetic? Du coup, quand Jan porte plainte contre le gêneur, ce dernier décide de se venger de cette mégère frigide et rabat-joie en utilisant son arme favorite: ses belles dents blanches, un bagout d'enfer et une fausse identité de riche Texan en visite à New-York.

Tout d'abord, ce film est un délice à regarder parce qu'il est très drôle, plein d'énergie, irrévérencieux et d'une belle malice. On rit très souvent, on sourit tout le temps; C'est en partie grâce à une écriture comique très efficace, qui ne laisse place à aucun temps mort ni à aucune mièvrerie, et qui balance des gags et des punchlines à la mitraillette.



Visuellement, ça tient carrément la route et osons le dire,c'est beau. Un technicolor qui met superbement en valeur les tenues très pop de Doris Day et ses décos disons, les plus originales. Du cinémascope pour les amateurs de grand-angle. Et des scènes de split-screen mémorables, de vrais bijoux de réalisation.


Mais surtout, comme je l'ai laissé entendre auparavant, Pillow Talk fonctionne grâce à la complicité magiques entre ses deux protagonistes. Doris Day joue délicieusement de son côté pète-sec, est adorablement drôle dans chacune de ses moues et nous fait le plaisir de pousser la chansonnette (j'y peux rien, depuis L'homme qui en savait trop, la voix de Doris Day m'émeut terriblement).Rock Hudson est un charmant malotru, aussi séduisant que tête à claques. Et tous les deux, il sont beaux, ils sont hilarants et ils s'éclatent indéniablement. Le moins qu'on puisse dire, c'est que c'est communicatif.


Ce mois de mai, c'est le blog Cinéma d'hier et d'aujourd'hui qui héberge le Cinéclub de Potzina. merci à elle d'avoir choisi ce fabuleux thème: couples mythiques.Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook.

jeudi 25 mai 2017

Thunes Hell: Tunnel, de Jee-Woon Kim

Avant de commencer, je vous dois juste un petit mot parce que ma production blogguistique a sévèrement freiné ces derniers temps. Je dois bien l'avouer, j'ai beaucoup moins de temps à consacrer à ce blog et malheureusement, à la lecture des autres blogs aussi et je dois me rendre à l'évidence: ma présence sur la toile va se faire encore plus discrète qu'auparavant. Face à ce problème de temps je me trouvais face à trois solutions:
1. Arrêter. J'avoue que l'idée m'a quand même plutôt attirée, parce que je fais partie de ces gens qui envoie valdinguer facilement les choses qui commencent à devenir pénibles. Et il est vrai que me mettre à mon ordi ces derniers temps pour écrire, alors que j'avais pas mal d'autres choses sur le feu m'a plutôt semblé une corvée. Mais je ne suis jamais à l'abri d'un coup de coeur que j'aurais envie de partager, et me retrouver sans cette possibilité me semblait un peu frustrante. Donc pour l'instant, je ne jette pas encore l'éponge, mais je me garde toujours une porte de sortie pour le jour où j'aurai envie de tirer ma révérence.
2. Faire des articles plus courts. Je sais, c'est à la fois ma qualité et mon défaut: je ne sais pas faire court, léger, casual. J'ai besoin de tartiner, d'aller fouiller, d'explorer. Donc ça, c'était sûr, je ne pouvais pas m'y soustraire. Je préfère passer 4 à 5 heures sur un papier une fois tous les 2 mois que 15 minutes toutes les semaines. Je n'y prendrais même pas de plaisir. Donc expédier un film en 3 paragraphes, c'est pas Girlie Cinéphilie, et je veux surtout pas que ça le devienne.
3. Revoir mes priorités. Pourquoi ce blog? Qu'est-ce que ce je veux partager? Qu'est-ce que ça m'apporte? Moins de temps libre, ça veut dire moins de temps pour voir des films et aussi moins de temps pour écrire dessus. Ma résolution est donc la suivante: je vais devoir me concentrer sur ce qui me fait vraiment de l'effet. Je n'écrirais plus d'articles sur des films qui m'intéressent moyennement, je n'écrirais plus sur ce qui me fait dire "Meh", je n'écrirais plus quand je n'aurais plus d'angle d'attaque sur un film, ou que, tout simplement, le film ne m'inspirera pas. Tout comme je vais devoir mieux choisir les films que je vais aller voir, je ne vais plus écrire qu'au coup de coeur, au coup de gueule ou au coup de latte. Ce qui veut dire moins de billets, moins de films, moins de présence, mais un plaisir à peu près intact (pour moi en tous cas).



Donc voilà, aujourd'hui, c'est coup de coeur pour un film coréen de Kim Seong-Hoon qui est à la frontière entre le film catastrophe, le mélo et le thriller politique: Tunnel.
Le pitch de Tunnel est on ne peut plus simple, et expédié dès les premières minutes du film. Alors qu'il rentre chez lui après une journée de travail et qu'il s'apprête à fêter l'anniversaire de sa petite fille avec un beau gâteau, Ha Jeong Hoo, commercial automobile se retrouve coincé sous un tunnel qui s'effondre sur lui. Il va devoir survivre en attendant les secours.

Alors, déjà, nous sommes bien dans un film coréen. Pour moi, ce qui fait la force de ce cinéma aujourd'hui, c'est qu'il est le seul (avec peut-être le cinéma indien, mais de manière complètement différente et parfois avec des résultats moins digestes) à réussir un mélange des genres détonnant et pourtant extraordinairement équilibré. Si je me réfère aux films coréens vus l'an dernier, c'est édifiant:
_ The Strangers, un film d'horreur métaphysique avec des scènes de comédie qui parvient à filer la grosse chocotte tout en interrogeant notre idée du mal et en déclenchant d'inquiétants éclats de rire,
- The man on high heels, un film noir transgenre et mélancolique, où des scènes de gunfight côtoient des scènes de mélo adolescents, de l'ultra-violence et de la transformation pretty womanesque,
- Dernier train pour Busan, un film de zombies mélodramatique et politique, un chef d'oeuvre de suspens et d'émotion.
Difficile de trouver d'autres cinématographies qui, à l'heure actuelle, peuvent se targuer d'aligner ainsi des films aussi originaux (pour ne pas dire chtarbés) qu'efficaces et étonnamment cohérents.



Tunnel ne déroge pas à cette règle du mélange des genres décapants. On est dans un film catastrophe, un survival horrifique, un mélo tragique et un brûlot politique tout à la fois. Et surtout, tout ça fonctionne à merveille et s'équilibre formidablement.

D'un côté, le film catastrophe fonctionne hyper bien. C'est même à mon avis un modèle d'écriture. Tout démarre très rapidement. En moins de cinq minutes, on entre dans l'horreur de la catastrophe: le héros s'engouffre dans le tunnel, on entends quelques craquements menaçants et boum, dans une séquence incroyablement efficace, le tunnel et tout ce qu'il y a dessus s'écroule sur lui. Voilà, tout est posé et on se demande bien comment on va réussir à développer tout un film sur un mec coincé dans une bagnole, avec deux petites bouteilles d'eau, un gâteau d'anniversaire et un téléphone, et qui n'a pas d'autres choix qu'attendre qu'on vienne le sortir de là.



Pour moi, le scénario de Tunnel est la parfaite illustration que l'inventivité s'épanouit superbement dans la contrainte. Quand on a une liberté totale, il est facile de se disperser et de vouloir partir sur plusieurs fils narratifs en même temps sans jamais tous les mener à bien (je ne vous rappellerai pas mes déconvenues avec, par exemple, Captain Fantastic). Mais quand on a l'audace de partir sur un horizon déjà bouché, des contraintes physiques importantes et coincer ses personnages, disons, dans un train ou un tunnel, il ne vous reste plus qu'une chose à faire: exploiter votre filon à fond. Et c'est là qu'on trouve de véritables pépites de créativité. 
Ici, tout comme pour son héros, le scénario s'amuse à sans cesse bloquer les issues, et à mener le spectateur à se ronger les cuticules en se demandant bien comment on va pouvoir nous sortir de cette impasse. Sans cesse, on pousse le bouchon un peu plus loin, et on augmente les conflits, alors qu'on croyait qu'on avait déjà mis l'ampli sur 11. C'est incroyablement prenant et ça joue avec vos émotions comme aux osselets (et je parle même pas de l'effet que ça peut faire à des gens, qui comme moi, ont des petits problèmes de claustrophobie et se croient dans The Descent  dès qu'ils n'arrivent pas à débloquer le loquet des toilettes du premier coup).



En ce qui concerne les émotions, d'ailleurs, la manière dont le mélo s'inscrit dans l'action est une nouvelle fois désarmante. Autour de Jung-Su, nous suivons le parcours deux autres personnages importants, dont les conflits ne semblent pas plus simples que le héros qui lutte pourtant pour sa survie. D'un côté il y a le chef de l'équipe de sauveteur, Dae Kyoung, qui doit imposer des travaux de grandes envergures pour sauver la vie d'un homme qui n'est pas assurée, se battre contre une bureaucratie plus intéressée par l'appât du gain et des média, mais aussi payer de sa personne. De l'autre, la femme de Jung-Su, Se-Hyun, qui doit affronter sa peur, le lourd regard d'une nation et les interrogations de sa fillette. Il y a dans les choix de chaque personnages des dilemmes à dimension véritablement tragique, et je dois bien avouer que j'ai dû échapper, çà et là, quelques larmes.

Enfin, mine de rien, Tunnel est une sacré charge politique. Tout le monde en prend pour son grade. Le sensationnalisme des média, qui n'est pas sans rappeler le mythique Gouffre aux chimères de Billy Wilder (si vous ne l'avez pas vu, foncez, c'est un chef d'oeuvre trop souvent oublié du maître du cinéma hollywoodien). Il y a quelque chose de révoltant dans l'intrusion des journalistes qui n'hésitent pas à mettre en jeu la vie du captifs pour quelques minutes d'audimat, et à s'en désintéresser lorsque l'histoire a assez duré. 



L'opportunisme politique: Madame le premier ministre, qui ne se déplace que quand les caméras sont là, qui balance des gros discours larmoyants, agit dans l'ombre contre l'opération de sauvetage trop coûteuse et vient récolter les lauriers à chaque avancée significative, c'est un personnage qu'il fallait oser, notamment dans un pays où on exige régulièrement une certaine déférence à l'Etat.
Mais surtout, comme on l'avait déjà vu avec Dernier train pour Busan, avec lequel Tunnel partage décidément de nombreux points communs, le grand méchant du film, c'est l'appât du gain. Ce sont les grosses entreprises de bâtiment et les pouvoirs publics qui radinent sur la sécurité, qui enlèvent un ventilo par ci, un boulon par là, une structure dans le coin, parce que bon, ça se verra pas. C'est les mecs qui crèvent à cause de machines merdiques mais dont on imputera la mort au projet sur lequel ils travaillent plutôt qu'aux fonds qu'on a décidé de leur allouer. C'est un autre tunnel tout aussi pourri qu'il faut absolument mettre en chantier, parce que le temps, c'est de l'argent, et que la vie d'un mec qui est peut être déjà un cadavre importe moins que des gros sous qui ne tombent pas dans les escarcelles. Ce tunnel, c'est bien le thunes hell. Mais la réponse finale du film, si elle ne nous avance pas à grand chose, reste d'une force libératrice intense et formidablement irrévérencieuse. Un joli doigt levé contre les horizons bouchés.



samedi 29 avril 2017

Le ciné-club de Potzina: Films costumés: In the mood for love




Ce mois-ci, c'est le blog Costumes de film qui est en charge du ciné-club. Romy a donc choisi un thème proche de son sujet deprédilection: les films en costumes. En petite couturière et tricoteuse que je suis, les costumes sont souvent un point auquel je porte pas mal d'attention, et les films sont également une dose d'inspiration non négligeables pour ma garde-robe. Et en matière de costumes, j'ai de nombreuses passions cinéphiliques: l'immense classe d'Edith Head (qui a signé les plus belles robes du cinéma hollywoodien), la géométrie et la couleur des tenues sixties d'Agnès B., de Courrèges et de Rudi Gernreich, la magnificence des parures du cinéma chinois se passant sous la dynastie Qing.

Pourtant, quand il a fallu choisir un film en rapport avec ce thème, je n'ai pas eu une once d'hésitation. Parce qu'il existe une film qui, en plus d'être un des plus beaux films qui aient jamais été réalisés, comporte aussi la garde-robe la plus enviable du monde: In the mood for love.




J'ai déjà à plusieurs reprises déclaré mon amour indéfectible pour ce film, et il était vraiment temps qu'il ait droit à son billet à lui tout seul.


Il est des films comme des gens La famille avec qui l'on grandit et à laquelle on reviendra toujours, les amis fidèles avec qui l'on se retrouve régulièrement, les copains d'une période, qu'on voit intensément pendant un temps, puis qui disparaissent, les flirts et les coups d'un soir, avec qui on a passé un bon moment, mais qu'on n'a pas forcément très envie de revoir, ceux qu'on peut pas saquer après qu'il nous aient ruiné une soirée, ceux qu'on ne sent pas et qu'on évite sans même les connaître, les premiers émois qu'on oubliera jamais. Et puis il y a le grand amour.

Je l'avais déjà écrit ici: Wong Kar Wai et In the mood for love, c'est mon grand amour. Le plus beau, le plus romantique, le plus tragique. C'est celui qui bouleverse tout sur son passage, qui vous transforme, et dont on ne se remet jamais vraiment. Celui qui s'en va avec une partie de vous dont on ne regrettera jamais le sacrifice.

Tout d'abord parce qu'In the mood for love est pour moi la plus belle histoire d'amour que j'ai vue au cinéma, mais aussi la plus mélancolique. Une histoire où le temps et le hasard prennent toute leur dimension comme dans la vraie vie: où les coïncidences et les actes manqués rapprochent puis éloignent les amants et se jouent de leur destin.



Et cet amour, il n'a l'air de rien comme ça, il a presque l'air froid. En effet, les rapports de M. Chow (le toujours sublime Tony Leung) et Mme Chan (Maggie Cheung, tout simplement parfaite, au somment de son art), voisins mariés à des conjoints de plus en plus distants, semblent bien policés et tout simplement cordiaux. Rapprochés par leur solitude et leur goût pour la littérature, on n'a pas tout de suite l'impression de voir une passion naître. Mais dans le frôlement des corps qui se croisent, dans l'abandon d'une tête sur une épaule, dans la fumée d'une cigarette, le désir interdit est tangible, et bouleversant.

Avec ce film, Wong Kar Wai réalise son chef d'oeuvre, une splendeur impressionniste où l'émotion s'installe par petite touches, lentement mais sûrement, durablement. Tout comme d'un premier grand amour, je ne me suis jamais remise de ce film. Je me souviens très bien en être sortie émerveillée par la beauté visuelle, sonore et scénaristique, mais pour une fois sans les yeux bouffis. Mais c'était compter sans le deuxième effet Kar Wai. Quelques heures après l'émerveillement passé, la profonde mélancolie de l'histoire m'a renversée, et je me suis retrouvée en sanglots, incapable d'accepter l'idée que M. Chow et Mme Chan n'aient effectivement fait que se croiser entre leur foyer et le vendeur de nouilles. Encore aujourd'hui, après les années passées et les nombreuses visions, je ne peux simplement y penser sans être authentiquement émue.



Mais cette histoire ne serait rien sans l'absolue perfection de tout le reste. La réalisation de Wong Kar Wai au sommet de son style, utilisant le rapport temporel à l'image, les ralentis, les répétitions, les montages alternés comme un véritable discours sur l'amour et ce qu'y produit le temps. La photographie de Christopher Doyle et Mark Lee Pee-Bing en font une des oeuvres visuelles les plus fortes de ces dernières décennies. Tony Leung et Maggie Cheung sont magistraux, arrivant à incarner subtilement la tempête intérieure cachée sous des dehors très stoïques. La bande-son est parfaitement choisi, au point où il n'est plus possible d'entendre Nat King Cole sans penser à ce film.

Et puis parce qu'on est là pour en parler, il y a les costumes. Ceux de Tony Leung sont déjà absolument classes. Mais les robes de Maggie Cheung... Gros coeurs à la place des yeux.

Elles sont pratiquement toutes basées sur le même patron (Mme Chan a bien compris un truc; quand tu as trouvé la robe parfaite, change juste les tissus!): une robe fourreau à col montant assez prêt du corps, à la fois sexy en diable et d'une rigueur maîtrisée. Et je rêve toutes de les avoir dans mon placard (mon anniversaire, c'est le mois prochain, je dis ça, je dis rien).



Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook.







lundi 17 avril 2017

Dyke hard: tröm'arc en ciel

 
Les éditions Outplay m'ont fait le grand plaisir de me faire parvenir le DVD d'un film sur lequel je lorgnais dès l'annonce de sa sortie, à la simple vue de sa sémillante jacquette, le film suédois et hautement barré Dyke Hard.

En effet, difficile de résister à une telle avalanche de "mauvais" goût d'excellente facture: du glam rock avec perruques et spandex fleurant bon les souvenirs émus de Jem et les hologrammes, des arts martiaux, des couleurs qui flashent, une typo so 86 et un titre-jeu digne des meilleures productions Troma. En bonne amatrice de ces dernières productions, de John Waters et de cinéma queer survolté, quelque chose me disait que ce film allait me plaire.


Dyke Hard, c'est l'histoire d'un groupe de rock féminin déclinant qui veut retrouver les chemins de la gloire et, pour cela, participe à un concours. Mais les embûches sont nombreuses, entre une maison hantée, un étrange complot et une effroyable ancienne chanteuse en mode Terminator. Même le pitch super foutraque n'était qu'une promesse de délicieux divertissement.

Outplay ne s'était pas trompé: j'étais bien la cible idéale de ce film de Bitte Andersson.

D'abord parce que Dyke Hard est un film Z revendiqué, qui porte haut son étendard coloré de film queer et fauché. C'est avant tout le film avant tout le film d'une communauté suédoise qui a décidé de s'amuser, malgré les tout petits moyens, et qui nous fait partager son plaisir. En effet, tout a commencé par une annonce posée par la réalisatrice dans une librairie, recrutant des volontaires pour réaliser un film à petit budget, comme un projet culturel pour rassembler la communauté locale. Ce film est donc le fruit du travail de nombreux non-professionnels et le fait d'assumer complètement le manque de moyen pour s'ancrer résolument dans le Z fait preuve d'un excellent choix de positionnement de la part de la réalisatrice.



Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si ce choix s'est porté sur un film de genre foutraque: Bitte Andersson vient d'un univers que les zinéphiles connaissent bien, puisqu'elle a travaillé dans les studios du Xanadu du Z, Troma.

Les studios Troma sont responsables de films de genre, souvent fantastiques, aux budgets aussi serrés que les combis en skaï de ScarJo et à la distinction qui donnerait des crises cardiaques à Cristina Cordulla: Toxic Avenger, Tromeo et Juliette, Cannibal The Musical. Au programme, des effets spéciaux en mode DIY, des acteurs au talent contestable, des scénarii à la waneguène (comment ça, ça se dit plus, waneguène?), et beaucoup, beaucoup de fun.

Dyke Hard ne renie rien de cet héritage et utilise les mêmes recettes de Gloubiboulga follement jouissive: du glam-rock, du film de prison, de la comédie musicale, du teen-movie, des fantômes, de la SF, du taekwondo, de l'amitié et de l'amour. c'est foutraque, ça va n'importe où, n'importe comment, ça joue comme ça peut mais c'est du fun en barre. Tout le monde donne l'impression de s'éclater comme des fous et c'est terriblement communicatif.



L'autre influence qui me semble planer sur ce film, c'est celle de notre bien-aimé John Waters. Le même vision de la sexualité débridée et décomplexée que le moustachu, la même drôlerie régressive, le même goût du mauvais goût, la même façon de l'ériger au rang d'art, le même amour des personnages hauts en couleur, la même joie visible à l'écran.

Alors oui, Dyke hard, parce que c'est un film communautaire, a quelque longueurs tout à fait compréhensibles: quand des gens acceptent de participer bénévolement, voire à aider à financer un tel projet, c'est difficile de couper la scène où ils apparaissent, donc cela reste à mon sens relativement acceptable.



D'autant que malgré quelques côtés "Amateur" et le petit budget, il y a quelques morceaux de bravoure qui me donnent bien envie de suivre ce que va faire Bitte Anderssen par la suite: des effets visuels numériques tout à fait honorables, du SFX DIY d'excellente facture, et de l'audace de mise en scène par moment qu'on attendait pas forcément dans un tel film.

Aucune raison donc de bouder son plaisir devant ce film ludingue (ludique et dingue, j'ai décidé que ce mot existait) dont la seule ambition est de nous faire partager le plaisir pris à le faire. En ce qui me concerne, l'objectif est atteint.










dimanche 26 mars 2017

Le ciné-club de Potzina: Metropolis, rétrofutur en action



Ce mois-ci, Bangarang Daily a proposé un thème pour le cinéclub qui ne pouvait que me faire plaisir: le cinéma d'animation japonais. Déjà, parce que la japanimation, comme beaucoup de gens de ma génération bercés au Club Dorothée, je suis tombée dedans quand j'étais petite, mais aussi parce que l'animation japonaise a fourni un nombre impressionnant de films passionnants dans des registres très variés, de la science-fiction au biopic en passant par le mélo, le conte fantastique ou la comédie romantique. Elle a également permis de révéler de grands auteur de cinéma: Miyazaki, Otomo, Tezuka, Takahata ou Oshii.

Le film que j'ai choisi est Metropolis, de Rintaro. Metropolis, c'est un peu le fantasme ultime de l'amateur d'animé et de science-fiction, le rêve éveillé du geek, parce qu'il n'est fait que des meilleurs ingrédients.



Bien évidemment, c'est d'abord le remake inspiré d'un des meilleurs (si ce n'est le meilleur) film de science-fiction de l'histoire du cinéma: le Metropolis de Fritz Lang. On retrouve l'histoire principale issue du roman de Thea Von Arbou: une ville futuriste à l'organisation verticale aussi bien sociale qu'architecturale qui écrase les ouvriers dans ses bas fonds et porte les élites au firmament, dominée par une immense tour, le Ziggurat, cousine technologique de la Tour de Babel. Au sommet de cette tour, un industriel milliardaire qui ne se remet pas de la perte de sa fille et qui va vouloir lui donner l'immortalité sous les traits d'un robot humanoïde, avec l'aide d'un savant plus ou moins bien attentionné. Cette femme-robot est, telle Pandore, la première femme, l'être le plus innocent mais aussi le plus dangereux qui ait été créé.

Metropolis s'inspire donc de ce chef d'oeuvre aussi bien au niveau scénaristique que visuel. On retrouve bien l'esthétique art nouveau du film, les décors imposants mais aussi des formes filmiques issues du cinéma expressionniste, des plans avec des caches pour mettre en avant des éléments et une scène de transformation qui utilise le même procédé de superpositions d'images (en même temps, bandes de petits malins, vous pourriez me rétorquer que le cinéma d'animation est basée sur des superpositions d'images et vous auriez bien raison). Pour tous les amateurs de l'original, c'est donc un vrai cadeau.

Comparaison du blog The film Connoisseur


Mais si vous êtes fan de japanimation et en particulier de SF, là, on touche la crème de la crème à se demander comment ce film n'ai pas réussi à faire un carton vu le générique de rêve qu'il proposait.

A la réalisation, Rintaro, formé chez Tezuka, qui n'est rien moins que le réalisateur des séries TV cultes Galaxy express 1999 et Albator, le corsaire de l'espace, qui depuis longtemps fait preuve d'une véritable expertise en science fiction.

Derrière le scénario, rien moins que 2 immenses maîtres. D'abord parce qu'on est ici face à l'adaptation animée de la bande-dessinée du même nom d'un monstre du manga, Osamu Tezuka. Tezuka, c'est le Walt Disney du Japon des années 60 aux années 80. Il a notamment créé 2 héros mythiques: Astroboy et le Roi Leo. On reconnait là son style graphique plein de mignonnerie, avec des personnages aux yeux immenses et au petit nez rond, solidement ancrés à la terre sur leurs gros pieds. Le jeune héros est par exemple le portrait craché du petit robot Astro et on s'attend à le voir décoller sur ses jambes-fusées d'une minute à l'autre. Rintaro avait commencé sa carrière dans les studios de Tezuka. C'était donc bien l'héritier idéal pour mettre en avant les images de son Sensei.



Enfin, l'autre grand nom du générique, aux manettes du scénario, ce n'est rien moins que Katsuhiro Otomo. Oui, le papa d'Akira himself. Pouvait-on trouver mieux pour compléter ce trio cultissime? En même temps, rien d'étonnant à ce qu'il s'intéresse à une telle histoire: une figure de l'innocence qui se révèle être une arme fatale? Une mega-cité au bord de la révolte? Le trauma d'une menace atomique? Ça vous rappelle quelque chose? Comme un petit garçon victime de dangereuses expériences scientifiques? Et oui, il y a entre cette version de Metropolis et Akira un vrai lien de parenté et on sent bien qu'Otomo a trouvé là le matériau idéal pour développer ses obsessions.



Le résultat est un film passionnant où ces différents talents se conjuguent de manière détonante et créent un véritable monstre cinématographique. La noirceur profonde du scénario d'Otomo contraste foncièrement avec l'esthétique enfantine et adorable de Tezuka, développant une atmosphère où une violence apocalyptique semble surgir soudainement dans un monde de dessins animés pour enfants, où une architecture totalitaire en images de synthèse exerce son pouvoir sur des hommes et machines en celluloïd plein d'une mignonne bonhommie. Ce contraste, qui fait pour moi la grande force du film, est peut être la raison pour laquelle ce film a eu si peu de retentissement par chez nous, les gens le prenant par erreur pour un film pour enfants, alors qu'il est bien destiné avant tout à des adultes, il a bien eu du mal à trouver son public.



C'est d'autant plus dommage que Metropolis est une véritable réussite sur tous les plans: c'est un film au message social fort, qui s'interroge sur les statuts de l'homme et de la machine, ainsi que du pouvoir. C'est aussi un film très émouvant, une fresque incroyable. C'est aussi un grand film de cinéma, formidablement réalisé, accompagné de la musique entêtante de Toshiyuki Honda. Et on y trouve une des plus belles scènes de climax au son de la superbe chanson de Ray Charles, I can't stop loving you.

Et un remake d'un chef d'oeuvre qui parvient non seulement à être presque à la hauteur de son prédécesseur tout en parvenant à en faire quelque chose de différent, c'est bien assez rare pour se priver de voir ce petit bijou.


Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook.