Le ciné-club de Potzina: L'oeil dans le rétroviseur, spécial western

Lorsque La chambrerose et noire a proposé comme thème du Ciné-club « l'oeil dans le rétro-viseur », portant sur les films des années 30 aux années 60, je me suis trouvée fac à un dilemme de taille : allais-je vous parler de ma passion pour les comédies romantiques vintage, de mes Hitchcocks favoris, de films noirs envoûtants, d'immenses classiques. Et puis finalement, je me suis décidée à évoquer un genre que j'aime particulièrement, puissamment vintage, surtout parce qu'on n'en voit aujourd'hui pas si souvent que ça et qui m'a toujours fait un peu rêver, le western avec quelques uns de mes westerns préférés (mais pas tous, parce que même si j'ai triché un peu, je me suis arrêtée en 1972).

Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook, ou à m'envoyer votre article en commentaire de cet article.

1931 : L'attaque de la caravane, Otto Brower et David Burton

De son nom original, Fighting caravans (quand même vachement plus pro-actif que la version française), on a déjà une bonne idée du scénar. Des caravanes de pionniers tentent de rejoindre l'ouest et doivent se défendre des attaques des Indiens qui veulent les empêcher de traverser leur territoire. 

Rien ici de bien original, ni de bien passionnant, sauf si on s'attache à la romance au coeur de l'histoire qui fait tout le sel de ce film, et qui ferait presque penser à une comédie romantique.

Clint Belmet, un brigand qui cherche à échapper à la justice, réussit à convaincre une jeune migrante française, Felice (oui, je pense qu'un i a disparu quelque part) qui va s'installer en Californie, de se faire passer pour son époux et rejoindre la caravane, ni vu, ni connu. Et bien entendu, les deux personnages que tout oppose vont bientôt apprendre à s'aimer.

Rajoutons qu'ici, Clint est joué par un tout jeune et fringant Gary Cooper et que Felice est interprétée par une starlette que j'adore, Lili Damita, une petite bombe d'énergie et de charme made in France (et un temps Mme Michael Curtiz puis Mme Errol Flynn). 

1946 : Un duel au soleil, King Vidor

Avant d'inspirer Etienne Daho, Un duel au soleil est un véritable chef d'oeuvre de souffre, chaud comme la braise, violent comme une tornade, qui défie autant qu'il peut le code Hays.

La sublissime Pearl (Jennifer Jones), jeune sang-mêlée, se retrouve placée dans une famille propriétaire d'un ranch, après que son père a tué sa mère infidèle. Sa beauté rend fous les deux garçons de la famille, Lewt et Jesse. Mais le torride bad boy Lewt, c'est Gregory Peck et le charmant et gentil Jesse, c'est Joseph Cotten. Et on comprend combien chacun doit lutter pour échapper au désir brûlant qui les lient.

1950: La flèche brisée, Delmer Daves

La flèche brisée est un beau film sur la difficile paix entre les colons et les Apaches. Au centre, la véritable rencontre entre Tom Jeffords et le chef apache Cochise. 

Le héros est Jeffords, interprété par Mr Good Guy himself, Jimmy Stewart, qui va sans cesse essayer de construire un pont entre les Apaches et son peuple dans un contexte des plus tendus.

C'est un film magnifique sur la tolérance (même si encore une fois, le personnage amérindien féminin est interprété par une jolie Debra Paget poudrée à la Terracotta) et surtout sur la difficulté de maintenir la paix, quand la douleur vous touche de près. 

1954 : Johnny Guitare, Nicholas Ray

C'est bien connu, Nicholas Ray, connu surtout pour être l'auteur de la Fureur de vivre, osait être en avance sur son époque (quitte à passer pour un dangereux communiste).

Dans Johnny Guitare, exit les cow

boys qui crachent par terre et se grattent les coucougnettes dans leurs caleçons longs. C'est un duel entre deux femmes fortes et indépendantes dans une petite ville de l'ouest. D'un côté, la riche propriétaire Emma, Mercedes MacCambridge. De l'autre la farouche patronne de saloon Vienna, la grande Joan Crawford.

Une véritable petite merveille.

1956 : La prisonnière du désert, John Ford

Attention, grand classique. Tout ce qu'il y a du mythique western hollywoodien est là: les deux John (Ford et Wayne), Nathalie Wood, le plan de la porte qui est un des plus grands de toute l'histoire du cinéma.

L'histoire, c'est celle d'un ancien soldat confédéré qui part à la recherche de sa nièce enlevée par les Comanche. 

C'est d'une beauté plastique extraordinaire, les scènes d'action sont épatantes, c'est magnifiquement interprété. Chef d'oeuvre du genre.

1957 : 40 tueurs, Samuel Fuller

Découvert il y a peu, je vous avais déjà parlé ici de ce bijou du western dissident, à voir absolument.

1959: Rio Bravo, Howard Hawks

Autre immense classique du genre.

Un huis-clos haletant sur le siège de la petite bourgade de Rio Bravo où a été arrêté Joe Burdette, membre d'un puissant gang de malfrats. John Chance (John Wayne), le shérif du comté, de passage et le sherif adjoint alcoolique Dude (Dean Martin) et le jeune Colorado (Ricky Nelson), vont devoir défendre la prison et leur ville.

Un grand film d'action qui a été inspiré par Le Train sifflera trois fois, autre sommet du genre et dont Carpenter s'inspira largement pour le détonnant Assaut.

1962: L'homme qui a tué Liberty Valence, John Ford

J'en met un deuxième de John Ford, parce que je crois que c'est là mon western préféré de la grande période hollywoodienne.

Un récit à la Rashomon où le point de vue fait toute la différence sur le meurtre d'un horrible malfaiteur, Liberty Valence. Une histoire de politique et de faux-semblants, de rédemption et de pouvoir de la fiction, avec John Wayne et James Stewart. Probablement le scénario le plus magistral et intelligent du western, j'ai pour ce film une admiration incroyable. Même si vous n'aimez pas le western, voyez L'homme qui tua Liberty Valence, il est tellement plus que cela.

1968 : Il était une fois dans l'Ouest, Sergio Leone

Je ne pouvais pas parler de western sans parler de Leone et mon choix s'est porté sur mon préféré, Il était une fois dans l'Ouest. Une sombre histoire de vengeance qui suit la construction d'une ville de l'ouest, pleine de méga-hyper-gros plans, de musique envoûtante d'Ennio Morricone et avec un casting multo bueno: la sublime Claudia Cardinale, l'imperturbable Henri Fonda et le taiseux Charles Bronson. Pour moi, le plus ensorcelant des Leone.

1972 : Jeremiah Johnson, Sydney Pollack

Pour celui-ci, je triche et m'immisce dans les années 70, parce que ce film formidable mérite d'être vu. Il retrace la vie d'un anti-héros, Jeremiah Johnson (interprété par un Robert Redford qui n'a jamais été aussi beau), un ancien militaire qui, dégoûté par la violence, décide de devenir trappeur et de s'éloigner de toute civilisation. Mais la violence finit toujours par vous rattraper...

Un superbe western où les paysages du désert qu'on a l'habitude d'y voir sont ici remplacés par ceux des Rocheuses et où la grandeur de la nature prend toute sa dimension. Un parcours initiatique terrible et magnifique, une grande leçon d'humanisme.

Pour répondre au thème, je m'arrête ici, mais je ne peux m'empêcher de citer quelques autres westerns plus récents qui valent aussi leur pesant de cacahuètes: le très beau Portes du paradis du regretté Michael Cimino, l'honirique et sublime Dead Man de Jim Jarmush, l'enthousiasmant Tombstone de George Pan Cosmatos et la formidable série Deadwood.

La la car: Baby Driver

J'aime mes écouteurs. Depuis mon premier baladeur (celui où tu mettais des K7, ouais), j'en ai toujours une paire dans mon sac.Les écouteurs sont des portes vers des mondes parallèles, bien plus efficaces et moins encombrantes que celles de Sliders (attention, cet article est confit de références de viocs). C'est le meilleur moyen pour échapper à la réalité quand elle fait la grimace.

Chausser des écouteurs en sortant le matin, c'est la meilleure façon de faire avancer mon cerveau plus vite que mes pieds. Un podcast peut te téléporter dans un amphi d'université, une fiction radiophonique peut t'intégrer au coeur même d'un récit, comme bien peu de films parviennent à le faire. Et je parle même pas de la musique. La musique, c'est déjà un des phénomènes les plus puissants de la planète (Ste Virginie Despentes de l'annonciation vernonnique, priez pour nous). Mais dans tes écouteurs, la musique peut plus que les drogues et les hommes, plus que la politique et les images: lorsqu'elle retentit à tes oreilles, la musique change le monde à son image. Le son dans ta tête modifie ce que tu vois, ce que tu sens, ta démarche, ton sourire, tes mouvements. Cette envie presque irrépressible de chanter à tue-tête quand tout le monde fait la gueule dans le métro, de danser dans un rayon de supermarché, de chialer dans une rue bondée, de te recueillir dans une file d'attente à la préfecture. La musique et tes écouteurs te donnent ça, un rythme, une couleur, une émotion pour l'instant.

Mais quand un acouphène parasite tes jours et tes nuits, tes écouteurs ne sont pas simplement des objets qui embellissent la vie, ils deviennent les instruments vitaux qui sont les seuls à la rendre supportable. Baby, qui a les siens vissés en permanence aux pavillons en sait quelque chose. Depuis le tragique accident qui a fait de lui un orphelin, le seul moyen d'alléger son acouphène et de se concentrer est d'écouter en permanence de la (bonne) musique. Et de la concentration, il en a véritablement besoin, parce qu'il est un chauffeur exceptionnel. Exceptionnel au point que Doc (Kevin Spacey), qui organise des braquages de banques fructueux, ne peut plus se passer de lui. Sauf que Baby a d'autres aspirations: la liberté, la musique et une jolie serveuse à la voix séduisante.

Baby Driver, pour moi, ça a été la très bonne surprise de l'été, le blockbuster qui correspondait pile à ce que j'avais envie de voir: un cocktail bien frappé d'action, d'humour et de musique.

Il est vrai que je partais avec un bon a-priori. D'abord pour le réalisateur, Edgar Wright, réalisateur british que j'aime suivre depuis la série Spaced dont il a mis en scène de nombreux épisodes (série à découvrir absolument si ça n'est pas encore fait). Tous ces films sont des films que j'aime voir et revoir, de Shaun of the Dead à Scott Pilgrim. Ce sont des films drôles, malins, bien écrits et avec une belle économie du scénario, pleins de références dans lesquelles je me retrouve, aussi bien cinématographiques que musicales, et sacrément divertissants.

Baby Driver ne fait pas exception à la règle. Il est bien tout cela, mais il est aussi un peu plus. Il est drôle, oui, mais ça n'est pas uniquement une comédie. Alors oui, Shaun of the Dead était aussi un vrai film de zombie, Hot fuzz un vrai buddy movie et Scott Pilgrim un vrai teen-movie, mais tous étaient avant tout une comédie. Les frontières sont encore plus floues avec Baby Driver. En bon amateur de genre qu'il est, Edgar Wright fait le pari de réussir plusieurs films en un seul: le film de braquage, de course-poursuite en bagnole, la comédie, le parcours initiatique et de rédemption, l'histoire d'amour et la comédie musicale. Et ça fonctionne, ça fonctionne même très bien, à tel point qu'on ne se pose même pas vraiment la question quand on est devant parce que l'ensemble est d'une cohérence confondante: tout semble couler de source et le mélange des genres ne choque pas parce que tout est construit sur une mécanique bien huilé:  aucun accroc, ça passe tout seul.

En terme de scénario, donc, comme en terme de mise en scène, c'est diablement efficace. Tout sert, pas de gras, pas de longueur, pas de scène inutile. Tout est justifié, et les personnages, même s'ils sont parfois caricaturaux, fonctionnent sur des enjeux qui les rendent plutôt crédibles. Une seule invraisemblance pour moi: pourquoi un mec comme Doc s'acharne-t-il à bosser avec un mec aussi peu fiable que le tavelé Bats (Jamie Foxx), je ne me m'explique pas. En parlant des personnages, justement, parlons du casting. Ansel Elgort est vraiment bien. Mignon, mais pas trop, il parvient à émouvoir malgré son mutisme et puis bon, je dois bien avouer qu'il arrive à obtenir un truc dont je ne le croyais pas capable: la classe. Lily James, que j'ai tendance à trouver généralement énervante, ne l'est pas du tout ici. Je ne sais pas si c'est le fait d'avoir troqué son accent super posh anglais contre un petit accent ricain, ses costumes de princesse pour une tenue de serveuse, mais là, dans la sobriété, elle est pas mal du tout, et avec Elgort, ils forment un très joli couple de tourtereaux menacés. Pour les seconds rôles, on a que du bon: Kevin Spacy, Jamie Foxx, John Hamm, CJ James et des apparitions qui font sauter de joie tout amateur de rock et de cinéma: Flea et Paul-Phantom-of-the paradise-Williams. Tout le monde a l'air de bien s'amuser, et c'est plutôt bonnard à voir.

Mais là où je trouve le film le plus réussi, et où Wright m'épate, c'est dans la réalisation. C'est vrai que c'est peut être la première fois qu'il a accès à de tels moyens pour une mise en scène, mais j'ai trouvé ça épatant. On savait déjà qu'il avait un sens du rythme indéniable (vous vous souvenez la scène de tabassage de zombie au son de Queen dans Shaun of the dead?), mais là, ça fait tout simplement super plaisir à voir. La première scène, dont je ne préfère rien dévoiler tant elle fait rentrer dans le film de plein pied est une chorégraphie de musique et d'action de toute beauté, un gros shot d'adrénaline. Une scène où les personnages ne parlent presque pas et où la musique semble guider, et même créer l'action. Quand arrive le générique, on est déjà dans un état d'excitation maximal. Et puis il y a ce beau plan séquence, qui met gravement à l'amende le plan-séquence d'introduction de La la Land, tant il est précis, juste, rythmé, beau, enthousiasmant et pourtant (et contrairement à l'épate de Chazelle) relativement modeste. Ici, bizarrement, rien ne semble artificiel, malgré toute la sophistication du truc et les situations complètement improbables, peut-être grâce à l'efficacité de l'action, et à la sympathie immédiate qu'on a pour ce petit mec avec ses écouteurs qui laisse le son tenir le volant.

Ouais, les écouteurs, ça rend la vie plus belle, mais, avec la bonne chanson, elle peut aussi sauver tout simplement la sauver.

Le ciné-club de Potzina: Bijoux de famille

Le mois de juillet est terminé, et je clos ainsi Le ciné-club de Potzina de ce mois sur le thème Bijoux de famille.
Je suis ravie de diverses participation, qui ont su nous montrer combien le sujet était foisonnant: vous allez voir, ça ne manque pas de variété:

- Nous accueillons tout d'abord un nouveau participant, Roi Joyeux, qui nous invite à (re)découvrir un film noir familial et vénéneux, The Strange affair of Uncle Harry.

- La chambre rose et noire a pris le relais avec une comédie charmante et charmeuse, Beautés empoisonnées, où une mère et sa fille font tourner les têtes pour se remplir les poches.

- Puis The Movie Freak nous a proposé un jeu des 10 familles du cinéma, un beau panel très varié.

- Bagarang Daily, de son côté, en a choisit 5 et pas des moindres, les plus grandes dynasties cinématographiques

- Enfin, j'ai voulu vous parler d'une famille de doux-dingues avec The taste of tea.

Je remercie tous les participants et passe le relais à La chambre rose et noire pour ce mois d'août. j'ai hâte de voir ce qu'elle nous concocte...

Le ciné-club de Potzina: Bijoux de famille: The taste of tea

Ce mois-ci, j'hébergeais le ciné-club et je vous ai proposé un thème qui me tient particulièrement à cœ, parce que j'ai remarqué que c'était un de ceux que j'appréciais le plus: celui de la famille. Ce qu'il y a de formidable avec la famille, c'est que c'est un sujet absolument universel et que d'où que viennent les films qui en traitent, cela arrive toujours à me toucher. Peu importe la culture, peu importe le genre, on arrive toujours à se reconnaître dans les rapports des Tannenbaum, des Ménard (un air de famille), des Corleone ou même des affreux, sales et méchants Mazzatella.

Si vous ne connaissez pas le ciné-club de Potzina, je vous rappelle un peu le principe: à la base créée par la blogueuse Potzina, il a pour but de partager des chroniques ciné sur un thème donné chaque mois, et de découvrir ainsi un max de bons films. Tous les mois, un blogueur ciné participant propose un thème et répertorie tous les articles des bloggueurs participants. Pas de pression, aucune obligation de participer tous les mois, juste une envie de se stimuler les uns les autres. Si vous avez envie de participer, n'hésitez pas à nous retrouver sur notre page facebook, ou à m'envoyer votre article en commentaire de cet article.

La famille à laquelle j'ai décidé de m'intéresser ici, c'est la famille Haruno, une famille de doux-dingues japonaise aux membres plus attachants les uns que les autres, du film de Katsuhito Ishii, The taste of tea.

Sous le toit des Haruno, la vie s'écoule comme chez les autres, entre vie commune et destins singuliers, et chacun a ses propres défis à relever. La mère, qui s'est arrêtée de travailler pour élever ses enfants, reprend la tradition familiale du dessin d'animation, épaulée par le grand père de son époux, qui vit chez eux. Ce dernier, un brin excentrique, cherche à aider et faire rire tous les autres membres de la famille. Le père, lui, est un hypnotiseur qui passe ses journées à faire rêver ses clients. Son frère, l'oncle, est un ingénieur du son hanté par une défaite amoureuse et un yakousa couronné d'un étron. Le fils tombe amoureux d'une nouvelle élève arrivant dans son lycée, qui se passionne pour le jeu de go. Enfin, la fillette est victime d'une doppleganger géante qui la suit partout.

Ca ne vous aura pas échappé, le titre de ce film n'est pas sans rappeler l'oeuvre d'un autre très grand observateur de la famille japonaise, Yasujiro Ozu. De lui, on retrouve l'importance du quotidien, le mouvements des rôles familiaux et une belle émotion créée par des petits gestes, des petits riens de la vie de tous les jours. Ishii y ajoute une fantaisie adorable, un monde onirique dément et beaucoup d'humour.

En cela, ce film est véritablement un petit bijou, une petite merveille trop souvent oubliée, une petite pépite pleine de douceur et de malice. 

The taste of tea est un concentré de scènes inoubliables et complètement dingues, un train qui traverse la tête d'un adolescent, la soudaine envie d'un jeune garçon de déféquer dans les bois, un film d'animation taré, un tournesol géant, une chanson chantée à l'eau du bain, une séance familiale d'hypnotisme même pas perturbée par une scène d'anthropophagie, le tabassage d'un dénonceur de femme adultère et surtout, l'enregistrement d'une chanson dont vous ne pourrez jamais plus vous débarrasser et qui, à elle seule, vaut de voir le film tant elle va loin dans le grand n'imp.

Mais c'est aussi un film d'une douceur et d'une sensibilité merveilleuses. On s'attache au parcours de chacun des personnages, aux défis qu'ils se lancent, à leurs rêves et leurs peurs. On a envie de les soutenir dans leurs petites quêtes quotidiennes qui prennent des dimensions vitales, de les voir réussir.

Mais surtout, ce film est une adorable déclaration d'amour à la famille. Comme certains films donnent envie de tomber amoureux, The Taste of tea donne une folle envie de retrouver les siens. Parce que dans les parcours individuels de chacun des membres de la famille, il y a un coup de pouce de la part d'un autre, un encouragement, un sourire, un service rendu en grommelant, mais rendu tout de même, de beaux cahiers de dessin, une tasse de thé. Et ça nous rappelle toujours combien chaque petite victoire ne se gagne rarement seule, et combien on la doit parfois au soutien de nos proches.

Le cinéclub de Potzina: juillet 2017: appel à participations

Aujourd'hui, le cinéclub de Potzina revient chez Girlie Cinéphilie et je suis ravie de l'accueillir pour un mois de vacances.

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Donc ce mois de juillet, c'est chez bibi et le thème est le suivant: "Bijoux de famille" (mouahaha). Donc ne vous gênez pas, faites comme à la maison, et faites-nous partager sur votre blog vos histoires de famille préférées sur pellicule. Que vous soyez Adams ou Tenenbaum, j'attends avec impatience vos conseils avant le 31 juillet. Prévenez-moi de la publication de votre article ou ci-dessous en commentaire, ou sur ma page facebook, ou sur celle du groupe si vous êtes membres. Venez, n'ayez pas peur, ça restera en famille ;-)

Ciné-club de Potzina: school of rock

Qu'ils tombent bien ces thèmes de ciné-club! Ils me permettent, tous les mois d'évoquer un peu plus longuement mes films de chevet. Ce mois-ci, Bagarang Daily nous a propose un sujet pour retomber en enfance et en adolescence: "L'école au cinéma"

Je n'avais que l'embarras du choix, tant le sujet sait occuper des genres différents: le teen-movie (de Clueless à 10 bonnes raisons de te larguer, en passant par Supergrave  ou Le Beaux gosses, je suis un peu une fan du genre), le fantastique (Innocence ou The Faculty) , l'épouvante (Disparues, Suspiria, Carry), le film social (La journée de la jupe, La vague), ou même le film d'action à gros bras (le ridicule The Substitute) ou le documentaire (La cour de Babel, Etre ou avoir). Comme beaucoup de meilleurs souvenirs de ma vie, de nombreux beaux souvenirs de cinéma se passent à l'école. Et comme la musique, et notamment le rock y sont également souvent présents, je ne pouvais pas passer à côté du meilleur pré-teen movie scolaire​ de rock, le formidable School of rock (sciemment, je refuse d'utiliser le désolant titre français Rock Academy).

Dewey Finn (Jack Black) est guitariste dans un groupe de rock et c'est toute sa vie. Sauf qu'il se fait virer de son groupe et que c'est justement à ce moment là que son coloc, un prof remplaçant, va en profiter pour lui demander de payer la moitié du loyer. Acculé, humilié, il va se substituer à son substitute de coloc et lui piquer un contrat comme prof de maths. Quand il va découvrir le talent artistique de ses jeunes élèves, il va décider de les utiliser comme musiciens afin de regagner ses galons de rock-star dans un concours.

Clairement, School of rock est placé très haut dans ma liste des films vus, revus et rerevus, et que rien que d'en parler, je me le reverrais bien, là, tout de suite. C'est tout simplement un petit bonheur de film, un sommet de l'entertainment, un vrai feel-rock movie (un feel-rock movie, c'est comme un feel good movie, sauf qu'on en sort en brandissant des cornes avec ses doigts, en faisant l'hélicoptère avec sa chevelure et en hurlant "Oh Yeahhhhhh!).

Comme on s'en doute, School of rock a déjà une qualité indispensable: le rythme, efficace comme un pattern de Dave Grohl. Tout est mené à la double pédale et s'enchaîne à la perfection. les gags, bien évidemment, mais aussi les scènes musicales, et même les scènes émotionnelles (parce que oui, moi je pleure à chaque fois que je vois School of rock). On ne s'ennuie pas une seconde, et on est complètement énergisés.

Ensuite, c'est une très grande comédie. Tout fonctionne. Jack Black, d'abord, qui en fait des caisses mais est pourtant au sommet de son art, même dans ce qu'il peut avoir d'agaçant. Il est tout simplement parfait: bondissant, ridicule, fourbe, étrangement sexy, pleutre, bête de scène, passionné, mentor, hypermobile des sourcils, multi-vocaliste et infiniment rock'n roll. Je voudrais avoir un Jack Black à la maison pour chaque moment où j'ai un coup de blues. Pour le reste, rien a jeter non plus, la trop rare Joan Cusack est formidable en directrice d'école collet-monté. Je parle même pas des gosses qui sont tous d'excellents comédiens. Les dialogues sont des mines de répliques à réutiliser et les situations comiques sont hyper efficace. Le film est hilarant, point.

Enfin, niveau wok-aine-wol, ça envoie de la bûchette. D'abord parce que bon sang, musicalement, ça déchire. La bande-son est géniale de bout en bout et tout film qui utilise avec autant de lyrisme Immigrant song devrait être célébré. Mais surtout, ça joue, comme on dit. Ça joue grave. Le réel talent de Jack Black en tant que chanteur n'est plus à démontre, mais quand on s'attaque aux jeunes membres du groupe, c'est au-delà de tout ce qu'on pouvait espérer. Ces gamins sont des grosses brutasses qui dégomment tout sur leur passage. Ils sont incroyablement bons, à la limite d'être super énervants et de vouloir jeter ses instruments si l'on a de quelconques modestes velléités de faire bouger des têtes. Ils sont proprement monstrueux de talents. Enfin, pour tous les amoureux du genre, School of Rock est gâvé des meilleures références du genre et c'est un plaisir de les dénicher dans les répliques et les images. Ce film parle à des rockeurs comme Star Trek parle à des geeks, et je ne connais pas un amateur de rock et du film qui n'ait pas fait d'arrêt sur le plan suivant pour s'extasier du schéma de Dewey.

Le petit locataire: sans préavis

Grâce au site Cinétrafic, j'ai pu découvrir en DVD le film de Nadège Loiseau, le Petit locataire, sorti en DVD le 21 mars chez Diaphana

On va pas se le cacher, en matière de comédie, je fais souvent la fine bouche devant la production hexagonale. J'ai tendance à trouver qu'elle a bien du mal à se renouveler, qu'elle ne sait que ressasser depuis des décennies la lutte des classes, ou des sexes, ou des générations comme seul ressort comique, comme si c'était la seule chose qui pouvait marcher (et, malheureusement, au vu des entrées de ce qui se fait dans le genre, les chiffres sont effectivement souvent du côté de la médiocrité). J'ai tendance à me réfugier volontiers vers d'autres clichés, outre atlantique, beaucoup moins distingués, mais beaucoup plus efficaces à mon sens: les grosses dumb comedys, représentées plus ou moins dignement par Will Ferrel, Tina Fey, Ben Stiller, Judd Apatow, Jim Carrey ou Amy Schumer.

Mais parfois, souvent, même, des films viennent me rappeler que ma vision de la comédie, est aussi TRES stéréotypée. Et Le Petit Locataire fait partie de ceux-là.

Le petit locataire en question, c'est l'embryon qui s'invite par surprise chez une femme de quarante neuf ans, Nicole, qui n'est pourtant pas en manque de responsabilités. Elle doit gérer un quotidien pas bien brillant, entre un fils devenu matelot et parti en mer, une fille précoce en ce qui concerne sa maternité, mais pas vraiment pour le reste, une petite-fille au langage fleuri mais au mal-être certain, un mari au chômage complètement découragé, une mère atteinte d'alzheimer à domicile, et un taf pas folichon de caissière de péage pour supporter tout ce petit monde. Alors quand se qu'elle pensait être la ménaupose se révèle être l'annonce d'une naissance à venir, elle ne saute pas de joie en pensant à la baby shower party qu'elle va pouvoir organiser avec ses copines.

Si Le petit locataire est bien une comédie, il reste ancré dans une réalité pas très jouasse, et cette amertume est la bienvenue. J'avoue en avoir franchement marre des comédies françaises qui se moquent des pauvres, parce que les gens qui n'arrivent pas à joindre les 2 bouts, c'est forcément des ploucs vulgaires qui n'ont ce qu'ils méritent. Ben oui quoi, entre la famille Groseille et les Tuche, c'est aussi marrant de rigoler de la grossièreté et la débilité du prolo que de se gausser du cul-serré des bourgeois dans les Visiteurs. Bien heureusement, Nadège Loiseau, qui réalise le film et qui l'a écrit avec Fanny Burdineau et Mazarine Pingeot, cherche avant tout à créer un personnage crédible.

Et avec Nicole, c'est plutôt réussi. Cette femme au bord de la crise de nerf et c débordée par ses responsabilités et ses hormones, on y croit instantanément. C'est en grande partie dû à l'écriture plutôt naturelle des situations et des dialogues, mais il faut dire que Karine Viard, dont je ne goûte pas toutes les interprétations, fait ici un travail plutôt nuancé, qui fonctionne très bien avec celui des autres comédiens, et en particulier celui de Philippe Rebot, qui apporte beaucoup d'émotion à ce père frustré par l'échec. Malheureusement, tous les acteurs ne sont pas à la hauteur, notamment Manon Kneusé, qui joue la fille et mère adolescente, qui échoue à chacune de ses répliques. Il y a là quelque chose qui ne marche vraiment pas, d'abord parce que toutes ses répliques qui veulent "faire jeune" sonnent toutes invariablement faux, et qu'en dehors d'être un personnage pas très aimable, la comédienne ne lui apporte pas vraiment assez d'humanité pour la sauver, chacune de ses apparitions est agaçante. C'est très dommage, surtout dans un film où certains rôles mineurs créent immédiatement de l'empathie: l'infirmier québécois Toussaint (Antoine Bertrand), le collègue du péage Damien (Côme Levin), la coach de gymnastique Jackie (Nadège Beausson-Diagne).

Il y a donc bien un mélange plutôt équilibré ici entre drame social et comédie familiale. Et dans un cas, comme dans l'autre, on ne pousse pas trop vers le caricatural, et on sait atteindre l'émotion dans les petites choses. Il y a tout de même les scènes qui sont là pour susciter l'émotion, les déclarations impromptues, la mort et la vie qui cohabite, les prises de conscience soudaine. Mais c'est dans les scènes les plus quotidiennes que le film fonctionne le mieux. Dans la tragi-comédie d'un remplacement oublié, dans la sexualité matrimoniale contrariée, les repas où l'on rumine...

En dehors du scénario de comédie douce-amère, j'ai aussi apprécié l'aspect esthétique du film. Ben oui, c'est tellement rare dans la comédie, notamment française que quand ça arrive, ça a le mérite d'être souligné. Ici, épaulée par Julien Roux à la photographie, Nadège Loiseau apporte de la couleur à une situation qui pourrait parfois être tout simplement sinistre. Tout comme elle injecte dans une histoire anxiogène beaucoup d'amour et d'humour, elle éclaire un quotidien somme toute assez grisâtre par des touches de pastel, plus ou moins intense (souvent du bleu et du rose, d'ailleurs). Elle crée ainsi une véritable respiration, offre un espace au rêve et à l'optimisme. Et quand les temps sont durs, et ils le sont souvent, cela fait toujours du bien de voir des bulles colorées s'élever.

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